Une lecture de la théorie des couleurs de Todd Haynes 'Carol'

Carol Todd Haynes

Dans notre Code couleur colonne, Luke Hicks choisit une poignée de plans d'un film préféré afin de tirer le sens de certaines couleurs et comment elles jouent à la fois dans la scène et dans le film dans son ensemble. Pour sa cinquième participation, il fouille dans Carol de Todd Haynes.


Todd Haynes nous présente la palette de couleurs sobre mais éblouissante de son sixième long métrage dans le générique d'ouverture. Les caractères gras et en blocs apparaissent en blanc sur fond noir. Le crédit se dissout et un autre apparaît, cette fois en gris. Le gris adopte une touche de vert dans le crédit suivant, puis passe de l'olive à l'aqua avant que la première image n'apparaisse: une vue rapprochée à vol d'oiseau d'une grille en fer à motif filiforme avec l'obscurité abyssale de la gaine de ventilation du métro derrière elle. Les noms de Cate Blanchett et Rooney Mara apparaissent successivement dans un riche bleu Tiffany alors que la caméra fait lentement un zoom arrière, le réseau agissant comme du papier peint derrière eux. La partition de piano éthérée de Carter Burwell gonfle et la carte de titre bleu blizzard translucide remplit soudain l’écran – Carol – le grillage maintenant comme des os dans les lettres.

Les génériques du film changent de teinte quatre fois de plus, du bleuet à la lavande, avant que l'objectif ne s'incline, révélant un trottoir nocturne de New York bourdonnant de monde. Poursuivant vaguement un homme, la caméra flotte dans la rue alors que le générique évolue à travers des nuances pâles de violet, rose, orange et jaune pour revenir en territoire plus frais. L'obscurité de la rue présage de la morosité de la cinématographie, et les gris et bronzages sombres soulignent la proéminence des neutres sombres comme une toile pour les palettes mixtes à éclater, comme nous le voyons dans le mélange scintillant de couleurs chaudes et froides dans la nuit – la lueur dorée effervescente des phares de voiture, leur reflet lilas argenté sur la route, des néons rouges fanés suspendus sur le côté gauche de la rue, et des turquoises soufflées comme des étoiles sur la droite.

Les couleurs de Carol revenons aux couleurs du photojournalisme Ektachrome au début des années 1950 (par exemple, Ruth Orkin, Esther Bubley, Helen Levitt). En tant que directeur de la photographie et collaborateur de longue date de Haynes Ed Lachman décrit, "C'est plus sale, plus silencieux – et c'est un regard naturaliste et non expressionniste sur le monde," comme Loin du paradis, leur autre drame queer des années 50. Là où la couleur et le ton de ce film ont été conçus pour refléter l'artifice oppressant du rêve américain à travers la beauté technicolor de Douglas Sirk, Carol est conçu pour «intégrer la subjectivité de l'esprit amoureux», dit Lachman. À quoi ressemble le monde pour quelqu'un qui tombe amoureux pour la première fois? Qu'est-ce que ça fait? Comment la couleur peut-elle communiquer la tempête de l'émotion à l'intérieur de Thérèse Belivet?

Cette émotion est aussi complexe – galvanisante, écœurante, effrayante, magique – que le suggère le sujet de la romance lesbienne (et de la découverte de soi) en 1952. Et cette complexité se reflète dans l’approche de Haynes et Lachman, qui repose sur l’imagerie pour accentuer l’aliénation queer, une grande partie du dialogue du roman source de Patricia Highsmith, Le prix du sel, supprimé dans l’adaptation de Phyllis Nagy. Dans le silence et l'immobilité, ils utilisent la couleur, comme le langage corporel et les fenêtres, pour «transmettre ce qui est caché à la surface», ce qui est primordial pour une histoire se déroulant à une époque où les lesbiennes ne pouvaient pas parler clairement de leur désir.


Filtre Carol Green

Haynes utilise des températures de couleur mixtes, présentées ici à merveille, pour raconter une histoire de sentiments mitigés. Les couleurs chaudes, comme la pêche et le rouge pomme bonbon, ressortent de la palette fraîche créée par le lourd filtre bleu-vert. D'autres tièdes, comme la moutarde et le magenta, sont compliqués par le filtre, le premier se mélangeant avec les froids et le second se mélangeant davantage avec les neutres foncés des couches. Selon Lachman, «les premiers films couleur n’avaient pas le spectre couleur». Le look Ektachrome qu'ils recherchaient avait des teintes plus prononcées de bleu, vert, jaune. Mais cela n’aplatit pas la palette cool. Le même dynamisme de la couleur existe, le bleu marine et le vert forêt gravitant vers les neutres tandis que la pistache inonde l'image.

La nuance de vert pistache sur le mur est un aliment de base de l'époque, délibérément placé derrière Carol ici pour susciter sa vitalité, son autonomie et son tact – un fait à parts égales d'abandon imprudent («Dis-moi que tu sais ce que tu es faire. »-« Je n'ai jamais fait. ») et la prudence. Le vert représente également la croissance et l’éducation, ce qui explique peut-être pourquoi il est si proéminent dans l’image entre le mur, le manteau et le filtre superposé. Comme l’a dit Lachman, l’humeur de la palette est censée représenter l’émotion de Thérèse, et Carol est pour elle une présence nourricière, une référence de croissance, une rencontre qui change la vie. C'est l'une des nuances les plus gentilles du vert que Lachman filtre les images, mieux vu seul au bord des lumières en surplomb réchauffant la palette. Plus tard, il utilise des filtres verts criards pour transmettre l'anxiété et les avances hétéroromantiques indésirables. Mais ici, à leur première rencontre, la saturation est onirique – coup de foudre.

Cette étincelle se voit dans la quasi-électricité de la cloche argentée scintillante entre eux, qui est surmontée d'une nuance de rouge plus brillante que nos fils – le rouge étant la couleur de la passion et de l'amour – chacun portant un neutre dominant sur une couleur présentée ailleurs dans le image. Le riche chapeau rose, le haut et le rouge à lèvres de Carol, semblables au rose pâle et au magenta sur les murs, dégagent une élégance primordiale pour l'attrait de Carol et sont encore plus attirés par le manteau de fourrure sensuel, dont la couleur claire, le style fort et la coupe ample font étalage L'aisance de Carol avec elle-même et sa gaieté. Étant donné que cela aurait été un manteau normal pour une femme hétéro de la haute société new-yorkaise à l’époque, il en dit autant sur Carol par rapport au gilet-pull moulant noir de Thérèse.

En termes de couleur, le noir est l'absence de lumière, une non-couleur. Thérèse porte souvent des couleurs noires ou plus foncées, une visualisation de sa sexualité refoulée qui contraste fortement avec les rouges constants de la garde-robe de Carol. Ici, le noir est complété par le vert jaunâtre nauséabond de son pull, qui reflète un empressement et un malaise envers ses désirs bizarres. Elle porte le même pull lors de leur road trip, mais, ayant dissipé une certaine incertitude, elle se débarrasse du gilet, une version plus ouverte et colorée d'elle-même.

Enfin, le plan prépare le terrain pour la préséance de la palette de couleurs rouge-vert complémentaire. Le rouge et le vert travaillent ensemble dans d'innombrables nuances dans les plans tout au long du film, mettant en lumière la signification thématique de l'amour, de la douleur et de la maturation et renforçant l'ambiance contagieuse de Noël, qui se ressent dans l'éclat du grain même lorsque les couleurs sont absentes. C’est comme «regarder une photographie du passé», comme Lachman l’a voulu.


Carol Therese Chaud

Comme d'habitude, il y a un éclat majestueux à Carol et ses affaires et un regard plus sombre, plus silencieux et caché à Thérèse, qui rappelle la photo précédente. Cependant, celui-ci illustre la façon dont les cinéastes utilisent l'éclairage pour augmenter le contraste de couleur et de ton entre les deux. Le piano en chêne poli et foncé remplit un tiers de l'écran, et Thérèse, dans l'ombre, en remplit un autre, créant une découpe en V chaude et sensuelle dans laquelle Carol se repose. Elle reçoit Thérèse pour la première fois, et elle est dans son élément – bavarde et détendue, baignant dans la lueur de la lampe en fumant une cigarette.

Thérèse porte encore principalement du noir. Sa robe a un motif à carreaux émeraude-saphir – subtilement assorti à une paire de pyjamas de Carol dans une séquence ultérieure – qui, dans ses tons royaux froids, signifie un alignement avec Carol (en bleu Caroline) et une petite floraison pour Thérèse en se présentant. chez elle en premier lieu. Mais la lumière sombre et le langage corporel compressé et intérieur révèlent qu'elle est toujours cachée, tout comme la brillance et la position ouverte et détendue de Carol révèlent son extérieur. Elle est, au moins, aussi sortie qu'une mère d'élite de banlieue pourrait l'être dans les années 50 sans être ostracisée, ce qui signifierait la perte d'un enfant pour Carol.

Le cadre doré, la tige de la lampe, les fleurs et les bijoux soulignent le rayonnement de Carol et mettent en valeur ses mèches blondes, tout comme le piano indique le look brune naturelle sombre de Thérèse, la couleur des cheveux étant la juxtaposition thématique la plus cohérente entre elles. Le vert et le rose floraux pâles du papier peint beige reposent délicatement derrière elle, accentuant son charme et son rôle dans la vie de Thérèse en tant que jardin pour devenir le sien. Et le rouge-vert du papier d'emballage et de l'arbre de Noël lui donne une sensation de vacances sans entrer en conflit avec la proéminence de la palette de couleurs analogue bleu-vert-jaune.

"Lorsque les choses s'améliorent dans leur relation, les couleurs deviennent plus douces et plus belles avec plus de chaleur", a déclaré John Dowdell, le coloriste du film, qui a travaillé plusieurs fois avec Haynes, presque autant qu’il a travaillé avec Jim Jarmusch. Nous voyons cette douceur et cette chaleur en plein écran ici dans leur premier moment de véritable intimité. Mais il convient également de noter l'obscurité de l'image. En général, la cinématographie de Carol est étonnamment sombre, mais la vaste profondeur de champ et le grain toujours chatoyant du Super 16 empêchent les sombres de se faire écraser (d'où la raison pour laquelle nous pouvons distinguer le bleu-vert de la robe de Thérèse) et confèrent au film une qualité cristalline aussi irrésistible que Carol se.

Carol Abby Diner

Le jaune est une couleur secondaire partout Carol – un allié du rouge ou du vert, tout comme Abby Gerhard (Sarah Paulson) à Carol et Therese, bien que «aide» puisse être un meilleur descripteur. La meilleure amie d’enfance et ex-amante de Carol donne un nouveau sens à l’expression «s'appuie sur moi». Après que Carol ait quitté Thérèse dans la nuit, Abby apparaît le lendemain matin dans le coin de la pièce comme un ange gardien pour ramener Thérèse à la maison à la demande de Carol. Thérèse se réveille confuse mais réalise immédiatement ce qui se passe. Les yeux bouffis et misérable, elle est assise en face d'Abby dans cette photo à l'intérieur d'un restaurant lors d'un arrêt au stand lors de leur voyage de retour.

L'utilisation de jaune et de neutre sur et autour d'Abby indique sa position dans la relation: une partie neutre. Cependant, le marron, le gris ou le noir pourraient bien communiquer cela. L'ajout lourd de teintes de pissenlit et de citron exprime la chaleur dans sa neutralité. Elle est une partie neutre dans la relation, mais elle n’est pas neutre à leur égard. Au contraire, elle est une lumière pour le couple, un espoir, comme le suggère le jaune – un exutoire éternel pour Carol et, à son âge, un phare de sagesse sage pour une Thérèse en deuil ("Ça change. La faute de personne."). Comme un phare, sa présence empêche les deux de s'écraser dans les rochers, que ce soit les rochers d'une fille perdue ou la sexualité étouffée.

Abby n’en veut pas à Carol pour avoir réclamé une faveur de titan. Elle ne «déteste» pas et n’en veut pas à Thérèse pour avoir volé Carol, comme Thérèse le soupçonne. «Vous pensez vraiment que j'ai volé à l'autre bout du pays pour vous reconduire vers l'Est parce que je vous hais et que je veux vous voir souffrir?» demande-t-elle d'un ton attentionné et inquiet, rappelant subtilement à Thérèse qu'elle est son taxi (jaune). Même l'emplacement de la couleur est délibéré. Remarquez comment sa toile de fond est de la même couleur que sa tenue et comment les rideaux vaporeux divisent l'écran en deux, séparant Abby des autres couleurs. Ce n’est pas un hasard si le rouge, le vert et le bleu ornent le côté de l’écran de Thérèse, tout comme ce n’est pas un hasard si le chrome frais du pare-chocs se trouve du côté de Thérèse, en contraste avec l’or (que nous associons à Carol) dans les bijoux d’Abby.

Entre les dorés, les jaunes et les bruns, Abby semble monochromatique, mais la proéminence du filtre bleu ciel sur tout, rencontré par la voiture et le ciel lui-même, crée un schéma complémentaire jaune-bleu. Le bleu ciel représente souvent la loyauté et la fiabilité, comme il le fait ici à Abby, mais il représente aussi la tristesse, c'est pourquoi l'image y est filtrée – une saturation de l'émotion de Thérèse. C’est aussi pourquoi il est collé sur le côté de l’écran de Thérèse.

Thérèse Final Shot Carol Todd Haynes

Un portrait rembrandtien de Thérèse dans l'étreinte séminale de sa queerness, ce cliché a lieu quelques instants avant le cliché final et est la dernière image que nous voyons d'elle. Elle vient de renoncer à une fête pour retrouver Carol après une conversation ambiguë et interrompue plus tôt dans la nuit au cours de laquelle Carol a avoué son amour et Thérèse est restée silencieuse. Maintenant, nous la voyons marcher vers Carol dans un restaurant faiblement éclairé. Derrière elle, il y a une domination obsédante d'hommes qui, dans leur ombre brumeuse, nous rappelle qu'en cherchant Carol, Thérèse brave l'obscurité à la fois de sa sexualité et de la répudiation des valeurs hétéro-masculines de l'époque.

L'éclairage clair-obscur de l'image et la multiplication des tons neutres font ressortir le rouge des petits abat-jours, qui respirent intensité et passion. Comme Thérèse, ils sont une présence singulière dans la pièce. Ils la mènent à Carol (qui est représentée en rouge partout) comme les pétales de rose mènent à un amoureux ou les feux de piste guident un pilote à atterrir. Pour atteindre un réalisme émotionnel encore plus grand, la caméra devient portable pour la première fois dans le film, tremblant au rythme de Thérèse. Le grain du film ajoute une autre couche visible de sous-texte qui reflète son état émotionnel.

La plupart du temps, Thérèse semble timide. Mais ce n’est pas le cas. Elle est sobre et désorientée («Je ne sais même pas ce que je veux commander pour le déjeuner»), mais cela n’implique pas un manque de confiance. Elle a très confiance en elle et nous le voyons ici sous sa forme la plus époustouflante. «Seul le point de vue, la subjectivité de l'esprit amoureux changent à la fin du film», explique Lachman. Après avoir passé la durée obscurcie par le cadre (partiellement visible, poussée sur les côtés et les coins), Thérèse est centrée, la seule au point, une vision claire et totale de son moi queer. Comme elle le dit: «Je suis bien réveillée. Je n’ai jamais été aussi éveillé de ma vie. "