Five Spike Lee Films sortis sur Blu-ray | Demandeurs

Five Spike Lee Films sortis sur Blu-ray | Demandeurs

par
Brian Tallerico

11 février 2020
|

La semaine dernière, Kino Lorber a sorti cinq des films de Spike Lee des années 1990, certains atterrissant sur Blu-ray pour la toute première fois. Les sorties permettent de revenir sur une série incroyable, une série de films qui, à présent, donne l'impression de vraiment attirer l'attention qu'elle mérite. Bien sûr, "Do the Right Thing" de 1989 a depuis longtemps été élevé au panthéon des Grands Films auquel il appartient, et celui de 2002 "25e Hour ”a une base de fans vocaux et dévoués. Les films intermédiaires, à l’exception de «Malcolm X» de 1992, n’ont pas reçu la réévaluation qu’ils méritaient depuis longtemps. En regardant cinq d'entre eux d'affilée, ce fan de Spike Lee était encore plus impressionné par son ambition, sa créativité et sa passion. Ce sont cinq histoires de New York racontées d'une manière que seul Spike Lee pourrait leur raconter, et elles travaillent ensemble d'une manière qui éclaire la croissance et l'éclat de l'un des meilleurs cinéastes américains de tous les temps. En ordre chronologique:

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«Mo’ Better Blues »(1990)

Venant dans la foulée de "Do the Right Thing", les critiques et les téléspectateurs ne savaient pas vraiment quoi faire avec un film dont le ton et la structure étaient très différents de la percée de Spike Lee. Si son classique de 1989 a été entraîné par les rythmes de rap de Public Enemy, son suivi ressemble plus à une composition de jazz classique, répétant des thèmes mais également prêt à se transformer en digressions qui se sentent comme un grand trompettiste improvisant sur le moment. Un film qui se sentait un peu en désordre en 1990 se sent maintenant risqué et audacieux de manière à le rendre presque plus frais trois décennies après sa sortie.

Lee dirige Denzel Washington sans doute sa performance la plus sous-estimée en tant que Bleek Gilliam, trompettiste enclin à prendre de mauvaises décisions. Faire des concerts avec le Bleek Quintet a fait de Gilliam une star, mais il a du mal à jongler non seulement avec les personnalités qui partagent la scène avec lui, mais comment équilibrer son art avec ses deux copines, Indigo (Joie Lee) et Clarke (Cynda Williams ). Surtout, rien ne gêne sa trompette. (Il y a un super rythme quand un amant se mord la lèvre, ce qui est la pire chose que vous fassiez à un trompettiste.)

En le regardant à nouveau trois décennies après sa sortie, il est facile d'être frappé par la confiance avec laquelle Lee a travaillé avec l'ensemble même si tôt dans sa carrière. Washington est magnétique, mais tout le casting clique, y compris certains des meilleurs travaux dans les carrières de Wesley Snipes et Giancarlo Esposito. À cette époque, Lee développait une relation avec un casting avec lequel il travaillerait à plusieurs reprises, et c'est revigorant de voir tout le monde s'engager pleinement dans ce projet, inspiré de manière créative les uns par les autres comme un grand numéro de jazz. Et puis il y a la partition d'une autre personne qui deviendrait un collaborateur régulier, Terence Blanchard, qui fait l'un des meilleurs travaux de sa carrière. "Mo’ Better Blues "est magnétique et fascinant, aussi remarquable dans ses moments désordonnés et incohérents que dans ses moments parfaitement polis.

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«Jungle Fever» (1991)

Si «Mo’ Better Blues »a vieilli d’une manière qui le fait se sentir sous-estimé en 2020, son suivi est sans doute allé un peu dans l’autre sens. Cependant, malgré certains des défauts de ce drame, en particulier dans l'acte final, il y a suffisamment à aimer ici pour justifier de le revisiter, y compris un rappel à quel point le charismatique Wesley Snipes et Annabella Sciorra pourraient être dans le bon matériau. Mais l'une des raisons pour lesquelles le film se sent déséquilibré maintenant est que les performances révolutionnaires de Samuel L.Jackson et Halle Berry dominent encore plus qu'elles ne l'ont fait lors de la sortie initiale, compte tenu de la carrière avec laquelle elles suivraient. L'histoire d'un homme noir et d'une femme blanche naviguant dans les courants raciaux de leur affaire n'est tout simplement pas aussi engageante que la percée de Jackson en tant que toxicomane crack prêt à tout pour nourrir sa dépendance. Et les deux moitiés – l'histoire des relations raciales et l'histoire du crack qui prend le dessus et détruit les familles noires – n'ont jamais l'impression de fusionner en une seule image.

Cela dit, si c'est le pire d'un plateau de cinq films que vous envisagez d'acheter, c'est un sacrément solide. Tonalement et structurellement, "Jungle Fever" ressemble à une extension de "Mo’ Better Blues ", car Lee joue à nouveau une structure de narration plus instinctive et organique que tout ce qui est prévisible. Les meilleurs films de Lee sont des tapisseries, remplies de plusieurs personnages intéressants travaillant ensemble pour former une pièce complète. Si toute la tapisserie ici ne se réunit pas, il y a encore de superbes pièces individuelles dans la tapisserie – des décisions prises par la distribution, de merveilleux échanges de dialogue et, bien sûr, toute cette musique de Stevie Wonder.

«Crooklyn» (1994)

L'un des films les plus personnels et les plus touchants de Lee est cette pièce d'époque qu'il a co-écrite avec ses sœurs Joie et Cinqué Lee. Lee a vraiment commencé à explorer le théâtre d'époque avec "Malcolm X" – les cinq films précédents qui étaient contemporains – et son travail magistral là-bas l'a ouvert à de nouvelles idées dans la narration, avec l'aide de collaborateurs réguliers comme Terence Blanchard et la magnifique conception de costumes de Ruth Carter. La dernière section de "Crooklyn" semble un peu manipulatrice de manières que Lee n'est pas souvent, mais il y a tellement de choses à aimer avant, y compris des performances incroyablement sous-estimées de deux de nos artistes les plus incroyablement sous-estimés, Alfre Woodard et Delroy Lindo.

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Les deux jouent les parents d'une grande famille, que l'on voit largement à travers les yeux de Troy (Zelda Harris) à Brooklyn en 1973. La vie avec Troy, ses quatre frères, sa mère stricte Carolyn (Woodard), et son père musicien Woody (Lindo ) est esquissée de façon épisodique par Lee et ses sœurs, mais l'impact ici n'est pas autant à travers le récit que la nature transporteuse de la récréation d'époque. Les éclaboussures d'eau des bornes d'incendie, le son des enfants qui jouent, la musique d'une bande-son qui ne comprend que de la musique de l'époque – chaque élément de «Crooklyn» a clairement été soigneusement examiné, et pourtant le film ne perd jamais le style organique de Lee qui valorise le caractère et la personnalité avant tout.

«Clockers» (1996)

Une brillante étude des niveaux du commerce de la drogue tirée par les grandes performances de Mekhi Phifer, Harvey Keitel et Delroy Lindo, "Clockers" reste l'un des films les plus ambitieux de Lee, en partie à cause de la façon dont il fusionne sa voix avec celle de Richard Price, qui a écrit le livre et co-écrit le scénario. Il y a une telle fatigue fatiguée dans la plupart des "Clockers", y compris la sombre partition de Terence Blanchard – c'est un monde qui fait descendre tout le monde des marchands aux flics à la communauté prise au milieu. Il mange même notre protagoniste atteint d’ulcère de l’intérieur. C'est l'histoire d'une enquête sur une fusillade dans le monde criminel des horlogers ou des trafiquants de drogue à Brooklyn, mais ce n'est que le catalyseur d'une étude d'une communauté et d'une entreprise criminelle qui transforme des enfants en meurtriers.

À l'exception de l'inclusion des smartphones et de la prise de vue numérique, les «Clockers» pourraient être sortis en grande partie inchangés aujourd'hui. C’est avant «The Wire» et la liste de films et d’émissions télévisées sur le commerce de la drogue qui suivront dans le sillage de cette émission. Cela ressemble aussi plus à un tournant social pour Lee que par le passé, maintenant que nous pouvons revenir sur sa carrière. C'est un film qui s'ouvre avec des plans d'hommes noirs ensanglantés sur le trottoir et se termine avec un autre corps trouvé dans un parc, et, encore une fois, il semble plus sombre et presque résigné que fâché – conscient qu'il n'y a pas grand-chose que nous pouvons faire à propos de ce système brisé qui transforme les enfants en criminels, quand ils seraient beaucoup plus heureux de jouer avec des trains miniatures. Le film ne colle pas vraiment à l'atterrissage – trouver la bonne note de clôture était le plus gros problème de Lee dans les années 90 – mais il se sent sans doute plus en avance sur son temps que tout ce qui date de cette époque. Le modèle et le train physique du film se sentent à la fois comme un symbole d'évasion, et c'est certainement cela pour son protagoniste en termes pratiques, mais aussi pour quelque chose qui ne peut pas être arrêté et qui fonctionne toujours à l'heure.

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«L'été de Sam» (1999)

Spike Lee a clôturé les années 80 avec un chef-d'œuvre sur un été au cours duquel la violence a éclaté dans une communauté de New York, et il a fait de même pour mettre fin aux années 90 avec ce drame largement méconnu, l'un des films les plus ambitieux que Lee ait jamais réalisés. Au lieu de simplement raconter les crimes du Fils de Sam à New York en 1977, Lee fait un film qui est une tapisserie de cet été, dans lequel la violence semble bouillonner sous tout ce qui se passe. C'est presque comme si David Berkowitz n'est qu'une manifestation de tout ce qui se passait dans la ville à l'époque, et Lee le reflète à travers tout le monde, sauf le tueur en série, se concentrant davantage sur les personnes qui vivaient dans la communauté qu'il terrorisait au lieu de l'homme lui-même. "Summer of Sam" est imparfait et rude, mais a également remarquablement bien résisté, en partie grâce au meilleur travail d'écran de John Leguizamo, mais principalement en raison de l'incroyable attention de Lee aux détails et de la façon dont il valorise le réglage par rapport à l'intrigue. C'est un film dans lequel on sent la chaleur et l'odeur des rues, aussi imprévisible que la vie à New York à l'été des coupures de courant et des meurtres était pour les gens qui y vivaient.

Les gens ont répondu négativement à "Summer of Sam" plus pour ce que ce n'était pas que ce que c'était. Le décor et la sous-intrigue intéressaient naturellement les vrais fans de crime qui ont trouvé un film qui enquête sur la peur plus que les détails des péchés d'un tueur en série. C'est un film sur la violence et le sexe et la peur de l'autre plus que toute autre chose, et c'est une merveilleuse illustration de la façon dont Lee a évolué au cours de la décennie entre «Do the Right Thing» et «Summer of Sam». Il a fait un film qui est une réflexion de sa percée, un autre été chaud de violence, mais qui a également un langage et une orientation très différents. Il a commencé la décennie en tant que jeune cinéaste prometteur, et il l'a terminée comme l'un des meilleurs chroniqueurs de New York dans l'histoire de la forme. Et, à bien des égards, il ne faisait que commencer.

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