Sundance 2020: huit points forts des programmes de courts métrages | Festivals et récompenses

Sundance 2020: huit points forts des programmes de courts métrages | Festivals et récompenses

par
Robert Daniels

30 janvier 2020
|

Chaque fois qu'un festival comme Sundance apparaît sur le calendrier, les longs métrages et les documentaires prennent beaucoup d'oxygène. Et pour une bonne raison. Cependant, les courts métrages sont souvent passés sur le chemin vers d'autres titres plus brillants et plus brillants avec des grands noms hollywoodiens établis ou qui seront bientôt.

C’est une habitude difficile à briser, dont j’ai été particulièrement coupable. Cependant, pour le Sundance de cette année, je voulais visiter les programmes de courts métrages variés et riches que le festival a à offrir. En fait, Sundance a 74 courts métrages d'action, d'animation et de documentaires en plusieurs langues, avec ou dirigés par des hommes, des femmes et des cinéastes non binaires. À ces fins, j'ai regardé un assemblage des programmes de courts métrages et choisi les huit films qui ont le plus résonné avec moi dans un des meilleurs moments du festival.

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"Arabian Alien" (Meshal Aljaser)

Les étrangers sont en Arabie saoudite, à la fois littéralement et métaphoriquement, dans "Arabian Alien" de Meshal Aljaser. Filmé en noir et blanc, le film expérimental d'Aljaser confond d'abord. Saad (Abu Swaleh), le protagoniste du court métrage, est un homme marié. Avec sa femme, ils voient des étrangers transportant des bananes arrêtés à la télévision. La nouvelle plaide pour que quiconque signale le même comportement lascif s'il le voit.

Métaphoriquement, dans «Arabian Alien», la nourriture et le sexe sont indissociables. Lorsque la femme de Saad veut tomber enceinte, elle apporte un gâteau à la vanille garni de pêches. Et à chaque bouchée de son mari, elle se rapproche de l'apogée. Pendant ce temps, avec chaque morceau qu'il consomme, plus son bébé grandit au micro-ondes.

"Arabian Alien" présente de magnifiques photos en noir et blanc des mosquées et de la maison de Saad, utilisant souvent des intervalles de temps pour des démonstrations impressionnistes d'altérité. Et lorsque Saad découvre un homme avec une banane, un homme qu'il trouve séduisant, dans sa mosquée, leur comportement secret suscite finalement des soupçons. Aljaser utilise de façon dévastatrice son film pour faire un commentaire sur les lois homophobes parmi les musulmans. Il actualise l'alternance des gays, même parmi les membres de leur famille, qui conduit à une solitude abjecte, à un rejet de soi et à des châtiments corporels. La fin poignante du film fait un martyr de l’amour et, vu le concept, se traduit par une déclaration politique étonnamment puissante.

"Eglise et le quatrième domaine" (Brian Knappenberger)

Dans la ville endormie d'Idaho Falls, en Idaho, l'église mormone règne en maître. Il y a des décennies dans la communauté, Adam Steed, un enfant de l'église des Boy Scouts et Mormons, a été agressé et violé par son chef scout Brad Stowell. Il faudra attendre Peter Zuckerman et Dean Miller du Idaho Falls Post Registeret d'autres journalistes, pour révéler son histoire et la profondeur des abus infligés aux Boy Scouts. "The Church and the Fourth Estate" de Brian Knappenberger, comme "Spotlight" de Tom McCarthy, démontre le pouvoir du journalisme pour enquêter et restaurer la vérité, même face à une grande opposition.

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Les événements de la vie réelle, parfois, jouent comme un film. Il y a des dirigeants d'église comme Kim Hansen ou les tribunaux, qui ont couvert et supprimé des dossiers. Les habitants se retournent contre leur journal local et des journalistes comme Zuckerman sont méprisés pour leur orientation sexuelle. De plus, le journal et ses journalistes sont attaqués par l'homme le plus riche de la ville, Frank Vandersloot. Néanmoins, les parties les plus déchirantes de "The Fourth Estate" comportent des déclarations de Steed et d'une autre victime. Elles décrivent en détail sans faille les sévices subis. Et à travers les larmes et les souvenirs écrasés, elles racontent le moment où leur enfance s'est désintégrée. Leur lutte pour la vérité est un acte de bravoure, tandis que "The Church and the Fourth Estate" de Knappenberger est une documentation étonnante et émouvante de leur courage.

"L'harmonie du diable" (Dylan Holmes Williams)

"The Devil’s Harmony" de Dylan Holmes Williams a un concept fantastique. Situé dans un internat de Londres, une mystérieuse maladie a affecté les jocks de l'école. Ils s'effondrent dans le coma dans la salle à manger, les couloirs et les courts de squash. D'un autre côté, il y a Kiera (Patsy Ferran). Intimidée régulièrement, elle dirige un groupe a capella. Et comme les sirènes d'autrefois, elle leur a appris à s'harmoniser de manière à endormir les victimes dans un acte de vengeance, une note à la fois. Malheureusement pour Kiera, elle a le béguin pour l'ennemi, un joueur de squash nommé Connor (Leo Suter). Il veut rejoindre le groupe a capella et cesser de faire du sport.

"The Devil’s Harmony" de Williams est un retour à la science-fiction des années 70 et à l'horreur de type "Children of the Corn". C'est aussi hilarant. Grâce à l'exécution simple mais unique de Williams, il s'appuie sur des prises de vue à vol d'oiseau pour résumer l'ampleur de l'attaque du groupe a capella. Et à un moment donné, le réalisateur brouille les frontières entre fantastique et musical, lorsque Connor éclate en chanson. Étrange et effrayant, "The Devil’s Harmony" est un pur éclat.

"Oies d'Hudson" (Bernardo Britto)

Le 15 janvier 2009, le capitaine Chesley "Sully" Sullenberger a fait un miracle en improvisant un atterrissage d'urgence sur la baie d'Hudson qui a sauvé d'innombrables vies. Mais le court métrage d'animation de Bernardo Britto "Hudson Geese" ne concerne pas l'événement incroyable en soi. Au lieu de cela, il fournit la voix et dépeint une oie sur sa migration finale.

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Sur une période de six minutes, Britto personnifie l'oiseau sous forme de voix off: d'abord, en présentant comment l'oie a rencontré sa femme Sandra, puis en racontant leurs migrations annuelles comme des vacances. L'oie ne comprend pas notre attachement à la création de zones métropolitaines, il présente les humains comme des méchants qui créent des jungles en béton avec peu d'espaces verts et moins d'endroits pour lui et sa femme pour atterrir. Nous considérons bientôt l'oiseau sournois comme un être vivant vivant avec des espoirs et des amours. Et à un certain point, la seule hilarité arrive dans le sentiment qu'une oie pourrait avoir des sentiments aussi profonds que les nôtres. Cette introduction empathique jette les bases du tournant finalement choquant du film, et Britto transforme un événement humain héroïque en une tragédie dans ce court métrage plein d'esprit.

"John essayait de contacter des étrangers" (Matthew Killip)

John Shepherd a passé 30 ans à essayer de contacter des formes de vie extraterrestres. En fait, si vous visitiez sa maison dans les années 80, vous trouveriez un salon plus proche d'un décor de film de science-fiction: rempli d'ordinateurs et de panneaux ornés de millions de boutons et d'écrans affichant des ondes électromagnétiques – qu'une enclave rurale. Le court métrage documentaire de Matthew Killip «John tentait de contacter des extraterrestres» est à la fois une histoire d'un rêve cosmiquement impossible et d'un désir humaniste de compagnie.

Au départ, John est une figure excentrique. Avec de longs cheveux gris et une barbe ébouriffée, son sourire sympathique et sa passion pour la recherche d'étrangers dément ses luttes dans le monde réel. Un étranger, une âme abandonnée, sa personnalité sans prétention s'infiltre dans une disposition adorable. John, qui a passé des décennies à tout transmettre de Kraftwerk au Reggae dans l'espace en tant que DJ interstellaire, a fondé le S.T.R.A.T. programme. Alors qu’il introduit chaque chanson avec sa voix douce, la partition de synthé bip-bop «Trying to Contact Aliens» donne l’importance macro que John attache à l’univers.

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Et quand il semble que Killip ait oublié la micro-signification de l'expérience humaine, il relie les deux dans une métaphore encourageante qui m'a fait pleurer. Parce que bien sûr, John est particulier, mais sa recherche à travers l'univers reflète notre propre exploration intime de l'amour. Et son histoire trop relatable n'est pas étrangère, c'est la condition humaine. C’est le désir d’être accepté pour qui vous êtes et ce que vous faites, autant que ce que l’on voit à l’extérieur. C’est l’empathie que l’on trouve isolément. «John essayait de contacter des extraterrestres» de Killip est une histoire magnifique et inspirante, de l'âme aux étoiles.

"Viandes" (Ashley Williams)

Se déroulant à l'arrière d'une boucherie, la satire d'Ashley Williams "Meats" s'ouvre sur un gros plan de Williams qui pleure. Tandis que des larmes coulent sur ses joues, une boucherie ambivalente mais bienveillante (Giancarlo Sbarbaro) regarde sa détresse. Dernièrement, Williams a envie de viande. En fait, récemment, lors de Thanksgiving, elle a aspiré une dinde toute seule. Le problème? Elle est en fait végétalienne et enceinte, et son fœtus a soif de viande. Pendant les dix minutes du film, elle raconte les multiples façons dont elle se sent coupable d'avoir consommé un animal, tout en regardant la carcasse d'un agneau mort.

Dans un effort pour calmer ses peurs, le boucher et son taillent l'agneau dans l'essentiel. Au cours de ces scènes légères, Sbarbaro et Williams se jouent irrévérencieusement. Et à la fin du film, après que la viande a été coupée en morceaux et que le traumatisme s'est calmé, Williams exprime immédiatement le dédain que partagent les végétaliens contre la consommation de viande et le plaisir de participer à la pratique charnelle de temps en temps.

"Piliers" (Haley Elizabeth Anderson)

Amber est la fille d'un papa à la voix douce; elle est aussi la protagoniste des «Pillars» de Haley Elizabeth Anderson. «Pillars» voit Amber comme un garçon de tom. Dans les premières images du film, elle pêche et pratique la boxe avec son père. Faisant partie d'une famille très religieuse, elle fréquente ce jour-là l'église.

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À l'église, elle aperçoit un garçon qui l'aime. Elle veut l'embrasser, mais elle ne l'a jamais fait elle-même. De plus, une autre fille à l'église voit son dilemme et dans la salle de bain, ils s'entraînent à s'embrasser.

Dans Exode, la Colonne de Feu est Dieu fournissant des conseils à travers le long voyage. Anderson filme cet adolescent qui s'éveille de façon poétique, en s'appuyant sur des ordinateurs de poche évocateurs. De plus, pendant la scène du baiser, elle choisit d'utiliser des plans rapprochés extrêmes des traits du visage de chaque fille: les yeux, le nez et les lèvres. Le résultat démontre leur innocence. Pour ces filles, elles n'ont rien fait de mal. Néanmoins, pour les parents hautement religieux d'Amber, elle a commis un péché et est disciplinée pour cela. À la fin du film, Amber trouve ce pilier et une acceptation divine de ses attractions.

La forme impressionniste d'Anderson capture des comparaisons avec Terrence Malick, tandis que le sujet rappelle l'un des «Parias» de Dee Rees. Anderson convoque ces composants dans une démonstration frappante de son œil unique. Un jour, quelqu'un lui donnera le budget pour créer un long métrage tout aussi émouvant, quel que soit le sujet. Mais jusque-là, «Pillars» est l'un des premiers souffles d'une nouvelle voix talentueuse.

"Les soeurs Starr" (Beth Einhorn et Bridey Elliott)

La moitié de la bataille d'un documentaire consiste à trouver le sujet parfait. Et est-ce que Beth Einhorn et Bridey Elliott découvrent jamais le bon sujet. Dans leur court métrage documentaire «The Starr Sisters», Einhorn et Elliott suivent Patte et Randa, deux frères et sœurs blonds impudiques vivant ensemble à Los Angeles. Aucun des deux frères n'a peur d'une petite controverse. Pendant 15 minutes, ils racontent facilement des histoires de Marilyn Monroe donnant des fellations ou d'Elvis participant à une relation incestuelle avec sa mère. Chaque barbe, ils livrent des brûlures mieux que la précédente, et à un moment donné, ils partagent même une histoire torride sur le sexe des chevaux. Toutes ces anecdotes se produisent en seulement quelques minutes les unes des autres.

Bien qu’infectieusement drôles, les Starr Sisters ne sont pas sans problèmes. Les deux viennent d'un ménage violent. De plus, ils passent un temps considérable à raconter les violences qu'ils ont subies lorsqu'ils étaient enfants. Néanmoins, les sœurs ne s’attardent pas sur ces souvenirs douloureux. Ils croient qu'il faut faire ce qui vous rend le plus heureux, même si c'est un tiroir rempli de bonbons et de coups d'œil pour les envoyer dans le coma diabétique. Les sœurs à double acte ne sont pas seulement une démonstration de génie comique, mais une démonstration de résilience dans le doc malicieux d'Einhorn et d'Elliott.

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