Les 10 meilleures bandes sonores de films de la décennie – / Film

Best Movie Soundtracks of the Decade

Meilleures bandes sonores de films de la décennie

(Cet article fait partie de notre Le meilleur de la décennie séries.)

La première bande originale de film commercialisée est sortie en 1937 pour Walt Disney»s Blanche-Neige et les sept nains. Depuis lors, la musique fait partie intégrante de l'expérience cinématographique en tant que moyen de raconter des histoires et d'évoquer l'émotion. Alors que les films possèdent généralement une partition (musique composée spécifiquement pour un film qui est généralement instrumental), une bande sonore diffère en ce qu'elle contient de la musique enregistrée précédemment et adaptée à diverses scènes. Bien qu'il y ait eu des scores fantastiques au cours de la dernière décennie, les bandes sonores se sont démarquées de manière significative avec le mélange expérimental de genres musicaux et des coupes profondes pour capturer un film»s le ton, le thème et le cadre. Voici mes 10 meilleures bandes sonores (sans ordre particulier) de la dernière décennie qui contiennent toutes des chansons préexistantes. Chaque film est fantastique en soi, et la musique n'est que la cerise sur le gâteau.

Frances Ha

Scénariste / réalisateur Noah Baumbach»s 2012 comédie sombre est une histoire relatable pour quiconque dans leur «20 ans qui ne sait pas quoi faire de leur vie. Orné de musique de François Films Truffaut, la bande originale reflète un idéalisme rêveur, un zeste de jeunesse et une perception optimiste de l'avenir malgré l'adaptation à contrecœur à l'âge adulte et le deuil de la perte de relations précieuses. La bande originale contient plusieurs chansons du compositeur français prolifique Georges Delerue en clin d'œil à French New Wave et David Bowie»s "L'amour moderne" est joué dans une scène qui sert de remake de la séquence emblématique de Leos Carax's 1986 Mauvais Sang (ou Mauvais sang) où le personnage principal parcourt follement les rues. Paul Mccartney»s rare "Blue Sway" fournit un match animé pour Frances» personnalité pétillante et optimiste malgré sa situation lamentable alors qu'elle se débat avec ce qu'elle veut de la vie plutôt que ce dont elle a vraiment besoin.

Il était une fois à Hollywood

Quentin Tarantino»L'ode à Hollywood est belle et douce-amère. L'histoire de l'acteur Rick Dalton et de son meilleur ami cascadeur travaillant dans le contexte de la «L'industrie cinématographique des années 60 est associée à une liste de chansons soigneusement élaborées qui saisissent bien l'espoir aux yeux de biche (et plus tard la corruption) de l'époque. Travaillant en étroite collaboration avec sa directrice musicale de longue date, Mary Ramos, Tarantino ne voulait pas spécifiquement que la musique présentée dans le film aille au-delà de 1969 afin de s'aligner sur le film»s réglage. Roy Head et les traits’"Traitez-la bien" donne le coup d'envoi du film et donne le ton du film avec un hommage optimiste et affectueux aux individus réels du film ainsi qu'à Hollywood lui-même. Violet foncé»s "Silence" joué sur Tate et Polanski conduisant à travers les collines d'Hollywood reflète l'insouciance et le rayonnement que Sharon Tate a exsudé – une allure rare qui imprègne toujours l'écran d'argent à ce jour. En revanche, Tarantino choisit Paul Revere et les Raiders’"Faim" pour la scène étrange dans laquelle Sharon Tate rencontre Charles Manson parle de sa sélection musicale méticuleuse puisque cette chanson a été spécifiquement choisie parce qu'elle a été produite par Terry Melcher qui vivait dans la maison sur Cielo Drive et avait un lien direct avec The Manson Family.

Straight Outta Compton

Straight Outta Compton est un biopic qui représente N.W.A.»s monter et descendre. Autrefois considéré comme le monde»s le groupe le plus dangereux, le réalisateur F.Gary Gray met en lumière de manière impressionnante les actions ambitieuses et néfastes de N.W.A. membres Eazy-E, Dr. Dre et Ice Cube. Le film»La bande originale de la musique comprend principalement des versions remasterisées de chansons classiques de N.W.A telles que "Straight Outta Compton" (évidemment), "Fuck Tha Police", "Exprimez-vous" et "Boyz-n-the-Hood". D'autres chansons incluent le Parlement»s "Lampe de poche" et "Tout le monde aime le soleil" par Roy Ayers Ubiquity. N.W.A. mettre le rap de la côte ouest sur la carte et leur héritage est celui du défi et de la résilience. Avec des paroles ancrées dans la férocité politique, cette bande sonore sert de nostalgie singulière qui perpétue le groupe de rap»s un héritage important avec une attitude toujours verte qui résonne encore aujourd'hui.

gardiens de la Galaxie

Réalisateur James Gunn»s Le film de super-héros Marvel 2014 a enflammé un fandom passionné pour son équipe de inadaptés cosmiques. Le film se concentre fortement sur Peter Quill (Chris Pratt) qui a été enlevé par des voleurs extraterrestres dans les années 1980 à la suite de sa mère»la mort de s. Une mixtape remplie de ses chansons préférées est la seule chose qui le lie à son passé sur Terre. Le film»la bande originale de s inclut Blue Swede»s "Accro à un sentiment", David Bowie»s "Moonage Daydream", Les fugueurs’"Bombe cerise" et "Ain»t Pas assez élevé en montagne" par Marvin Gaye et Tammi Terrell. Le mélange de rock, soul et oldies fusionne dans une capsule temporelle sentimentale qui non seulement rappelle à Peter son amour pour sa mère, mais que la notion de famille peut prendre toutes les formes, tailles et espèces intergalactiques.

Django Unchained

Quentin Tarantino a une compétence impressionnante pour choisir la musique parfaite pour accompagner le voyage de ses protagonistes sur leur route sanglante vers la liberté et la rétribution. La musique présentée dans Django Unchained est un mélange de genres, qui s'appuie fortement sur des influences occidentales spaghetti. Plusieurs chansons ont été composées spécifiquement pour le film, dont Rick Ross’"100 cercueils noirs" avec Jamie Foxx (qui a également joué le rôle de Django), "Qui t'as fait ça?" par John Legend et Ennio Morricone et Elisa»s "Ancora Qui". Chansons établies comme Jim Croce»s "je»ai un nom" impliquent l'importance de l'identité parmi les esclaves dans le Old West et Antebellum South tandis que frère Dege»s "Trop vieux pour mourir jeune" capture l'espoir épuisant mais éternel que Django a gardé en cherchant sa femme. L'une des scènes les plus gratifiantes du film consiste en une fusillade sanglante avec un remix mettant en vedette Tupac»s crochet de "Intouchable" écrasé avec James Brown»s "La revanche". Mixé par Tupac»s ingénieur, Claudio Cueni, la chanson sert d'hymne cathartique alors que Django conquiert les injustices raciales et les mauvais propriétaires d'esclaves qui osent croiser son chemin.

Baby Driver

»s un certain type de nature comique et fougueuse à Edgar Wright»s film d'action 2017. Baby (Ansel Elgort) est un conducteur d'évasion avec une affinité pour la musique, toujours vu avec ses bouchons d'oreille et ses airs à portée de main. Le film»La bande originale de s est un mélange éclectique de chansons qui vont de Martha et les Vandellas à Queen, Barry White, The Damned et Beck. Pour la reine»s "Brighton Rock", Wright a écrit les rythmes de la chanson dans le script afin de s'aligner sur la mise en scène. En fait, plusieurs scènes possèdent une utilisation impressionnante de la chorégraphie qui synchronise les séquences d'action avec les chansons. Le film tire même son nom de "Baby Driver", une chanson de l'album de Simon & Garfunkel Bridge over Troubled Water, qui est jouée au générique de fin. La bande sonore s'étend sur des décennies et le film lui-même est littéralement entraîné par la musique – quand il n'est pas»En jouant, les personnages en discutent et en rêvent. Là»s un amour apparentable qui se diffuse partout: l'amour de la musique, de la route et de quelqu'un de spécial. Bébé»s écraser Debora (Lily James) résume le mieux quand elle dit, "parfois tout ce que je veux faire est de me diriger vers l'ouest sur vingt dans une voiture que je peux»t me permettre avec un plan je ne»pas. Juste moi, ma musique et la route." Parfois ça»C'est tout ce dont vous avez vraiment besoin.

À l'intérieur de Llewyn Davis

Les frères Coen savent comment enrichir les histoires de leurs personnages avec une précision nette mais granuleuse à travers l'allégorie et la légende philosophique. Là»s une ambition rustique à leurs films qui mettent en lumière les grands récits de protagonistes adorables malgré la société»s la perception qu’ils sont des perdants au sens traditionnel. Situé dans les années 1960 à New York, il»s un moment dans le film où Llewyn (Oscar Isaac) est sur scène en train de dire à un public "si elle n'a jamais été nouvelle et qu'elle ne vieillit jamais,»s une chanson folklorique". Ce concept vintage mais familier se répète tout au long du film avec des thèmes d'identité et d'authenticité. Isaac chante majestueusement plusieurs chansons sur la bande originale (produite par T Bone Burnett) telles que "Adieu" (un effort de collaboration avec Marcus Mumford, leader de Mumford & Sons) et "Pends-moi, oh pends-moi" qui est chanté au début et à la fin du film – ses paroles une représentation appropriée de Llewyn»s dépression ennuyeuse dans sa quête du succès musical. Malgré son ton sombre, les Coen Brothers saupoudrent dans leur comédie de signature avec Justin Timberlake et Adam Driver se joignant à "S'il vous plaît, M. Kennedy".

Conduire

Le comportement stoïque de Ryan Gosling»s cascadeur personnage The Driver est une feuille tangible pour le film»s bande-son tandis que la musique enflamme la résonance des émotions. Les morceaux sont remplis de chansons d'amour pop et d'électronique de rêve aux côtés du compositeur Cliff Martinez»s une partition scintillante qui mène tout auditeur»coeur de s pour sauter un battement. Le réalisateur Nicolas Winding Refn réfléchit Conduire pour être un conte de fées, et donc, a choisi des groupes éthérés comme Chromatics et Johnny Jewel of Desire pour marquer le film avec une musique destinée à être évoquée à travers la perspective de The Driver. Université»s "Un vrai héros" personnifie le film en capturant la double nature de The Driver. Conduire commence par Kavinsky»s "Appel de nuit" dans l'une des séquences d'ouverture les plus sexy à ce jour et propulse l'intensité émotionnelle vers l'avant alors que The Driver développe un amour pour son voisin, qui est capturé avec charme avec une scène rapprochée lors d'une fête comme Desire»s "Sous votre charme" est en train de jouer. Le film»La musique est un voyage poignant qui démontre le ton mécanique mais amoureux à la bonne vitesse.

Une fille rentre seule la nuit

Ana Lily Amirpour»s vampire western est une pièce de cinéma subversive et visuellement séduisante. Tourné en noir et blanc, le ton du film est celui d'un désir et d'une terreur intrigants tandis que la musique aux multiples facettes remplit l'espace négatif d'un dialogue minimal. Amirpour a sélectionné un assortiment éclectique de chansons iraniennes classiques et nouvelles qui vont de sinistre à énergique. Des groupes iraniens politiques, tels que Kiosk et Radio Tehran, sont représentés sur la bande sonore aux côtés de chanteurs archétypaux comme Dariush, dont le style contemporain a déclenché une nouvelle ère dans la musique iranienne. Il y a une juxtaposition palpable avec le film»s cinématographie, personnage principal "La fille"et le film»s la musique. Des éléments opposés d'ombre et de lumière ainsi que de discrétion et de dynamisme, tous possèdent une nature silencieuse complétée de manière unique par «Synthpop des années 80. Federale, basé aux États-Unis, a des chansons comme "Dimanche noir" et "Sarcophage" qui présentent des mélodies orchestrales ornées offrant l'intensité rappelant les emblématiques Old Westerns tandis que White Lies’"Décès" offre une passion vive et palpitante dans une scène plus subtile mais toujours intense fondée sur une aspiration romantique.

Moonrise Kingdom

Rempli d'aventure, de romance et de rébellion, Wes Anderson»s Moonrise Kingdom a tous les éléments qui feront battre votre cœur. Pour mettre en parallèle le récit jeune et innocent, plusieurs chansons sont interprétées par le compositeur anglais Benjamin Britten, remarquable pour son travail musical avec les enfants à travers son "Jeune personne»s Guide de l'orchestre". Quelques morceaux classiques mettant en vedette Franz Schubert apportent un ton sophistiqué mais ludique au film, tandis que Hank Williams’"Ramblin» Homme" et "Honky Tonkin’» ajoute un élément en couches pour montrer comment les personnages sont sages au-delà de leurs années. Et qui peut oublier l'une des scènes les plus douces de la décennie alors que les deux jeunes amoureux aiment danser en bord de plage pour Françoise Hardy»s "Le Temps de l»Amour"?

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