Entretien avec Knives and Skin Director: Jennifer Reeder – / Film

Knives and Skin Director Interview

Entretien de Knives and Skin Director

La fille disparue. Elle est le centre de nombreux récits américains. Pourtant pour Jennifer Reeder, cette figure n'est que le début d'un récit qui s'estompe dans l'arrière-plan de son film Couteaux et peau. Le vrai drame et l'intrigue de son œuvre «genre adjacent», telle qu'elle décrit le film, vient de voir comment la disparition de Carolyn Harper se propage vers l'extérieur et aggrave le chagrin d'une petite ville embourbée dans la misère tranquille de la banlieue.

Couteaux et peau a eu un long festival organisé en 2019 de Berlin à Tribeca, Fantasia Festival à Fantastic Fest, et arrive enfin dans les théâtres et en VOD avec la permission d'IFC Midnight. À la veille de sa sortie, j'ai rencontré Reeder pour discuter de son travail unique. Notre conversation a couvert tout, de son esthétique élégante et colorée au style de jeu impassible ainsi que la lourdeur du matériau qu'elle couvre.

J'ai lu tout un livre d'essais cette année, Filles mortes, sur la façon dont le trope de personnages féminins morts (ou manquants) dans les récits culturels sont généralement utilisés comme catalyseurs d'histoires masculines de découverte de soi. Ici, cependant, c'est pour une histoire féminine. A-t-il toujours été le cas pour Carolyn Harper de provoquer des changements chez les filles de la ville?

Quand je me suis mis à faire Couteaux et peau, que j'appelle "genre adjacent", je ne voulais pas éviter ce que j'ai trouvé problématique à propos de tant de films d'horreur et de thriller. Je voulais l'embrasser, travailler avec, essayer de repenser. Depuis le début, il y avait toujours une fille disparue ou morte. J'ai dû essayer de comprendre comment continuer à lui donner, comme objet, une agence. Je ne pense pas que je gâte quoi que ce soit, mais je pense qu'il est important qu'elle n'ait pas été assassinée parce qu'alors j'aurais dû faire face à cette histoire. Je vais chercher ce livre, mais il y a aussi ce court Ce qui lui est arrivé? qui raconte toutes ces filles mortes, et il est raconté par la femme qui a joué le cadavre dans River’s Edge.

À la fin de la journée, Carolyn Harper, qui est ma fille disparue, c'est son histoire. Mais c'est aussi une histoire sur l'autonomisation des femmes. Un film «genre adjacent» qui utilise ces tropes problématiques, les repense, les mine et sort à la fin un (film) féministe.

Vous ne perdez pas beaucoup de temps en exposition ou en explication. Est-ce juste un processus naturel pour vous, ou était-ce plus intentionnel de laisser l'humeur nous combler là où nous en avions besoin?

Oui, c'est intentionnel. Tout ce que vous voyez dans la coupe finale du film est profondément scénarisé. Il n'y a pas eu d'accident heureux dans l'écriture de scénario. Dans la phase d'écriture de scénario, je ne suis pas vraiment passé d'une autre scène jusqu'à ce qu'il me semble avoir suffisamment d'informations pour faire ce qu'il fallait faire pour propulser l'intrigue ou l'arc d'un personnage en avant. Mais j'ai essayé de remplir beaucoup d'informations avec un langage visuel ou une atmosphère. En tant que consommateur de films, je regarde beaucoup de films, parfois les moments d'exposition sont vraiment nécessaires. Parfois, l'écrivain le cloue vraiment, et le travail est invisible. Je dirais, pour la plupart, que le travail expositif est totalement visible. C’est là que vous vous dites: «Allez, faites confiance à votre public! Les gens sont intelligents. »Ils peuvent remplir les blancs.

Vous avez dit que tout ce qui était entré dans le film était scénarisé. Cela signifie-t-il donc qu'il n'y a eu aucune improvisation sur le plateau?

Correct. Je dis cela parce que le rythme est dérivé. Les performances sont impassibles jusqu'à peut-être un point de maladresse. Je pense qu'on pourrait se tromper qu'il y avait un processus plus organique sur le plateau, mais ils ne l'ont pas fait. Tout ça a été écrit depuis le début. Aucune improvisation, aucun accident heureux.

Je trouve souvent dans les conversations avec les cinéastes que les moments qui semblent improvisés ou accidentels sont plus conçu des moments dans tout le film, afin que je puisse comprendre la frustration lorsque les gens les rejettent.

Je suis très particulier dans mon dialogue. Une grande partie du dialogue que j'écris, les mots sont particuliers. Les gens peuvent se distinguer non seulement par la cadence, mais ils préfèrent utiliser un mot plutôt que le suivant, ou ils ne conjuguent pas les verbes. J'ai l'impression de faire aussi beaucoup de développement de personnage à travers le dialogue, même si je finis par utiliser beaucoup d'acteurs d'improvisation parce que j'aime leur capacité à évoquer une émotion ou à tourner une scène très rapidement. Mais je préfère que tout le monde s'en tienne au script!

Comment avez-vous travaillé avec vos acteurs sur la spécificité des lectures de lignes? Il y a une ligne si fine où ils pourraient jouer comme mélodramatique d'une part ou trop pince-sans-nez de l'autre si vous ne trouvez pas ce point idéal calibré avec précision.

J'ai donné à tout le monde quelques indices sur qui était leur personnage, ce qui guiderait la façon dont ils ont livré leurs lignes. Mais je n'arrêtais pas de rappeler à tout le monde qu'il y a beaucoup de mélodrame dans la scène elle-même à partir des informations du dialogue. Vous ne voulez pas annuler cela avec une performance mélodramatique. Je voulais intensifier le drame du mélodrame en ayant la performance vraiment vidé de son affect. Je pense que c'est en fait plus authentique dans la vie réelle que nous ne le pensons. Dans la vraie vie, souvent, les informations les plus traumatisantes ne sont pas livrées dans un cri ou des larmes sanglants. Il est livré d'une manière très plate, car il est vraiment difficile pour quelqu'un de sortir la bouche – «Je veux divorcer» ou «votre père vient de mourir» ou «Je ne sais pas où est mon enfant». Même si les performances peuvent J'ai l'impression qu'ils ne sont pas totalement ancrés dans la réalité, j'ai l'impression qu'ils pourraient être plus authentiques que ce que nous voyons habituellement dans les films.

Comment trouvez-vous l'équilibre tonal dans un film où vous avez à la fois des scènes naturalistes de malaise domestique ainsi qu'un t-shirt de tigre parlant?

Mis à part le fait que le ton peut changer d'une scène à l'autre, ou même à l'intérieur d'une scène, il y a tellement de gens et d'histoires à suivre qu'il serait facile pour cela de se transformer en un enchevêtrement que personne n'a jamais eu le temps ou intérêt à démêler. Je pense qu'il y a des gens qui n'ont aucun intérêt à démêler Couteaux et peau, ce qui me convient parfaitement. Mais c'était quelque chose dont j'étais conscient dans le processus d'écriture, même, en m'assurant que je pouvais maintenir ce ton d'une scène à l'autre en continuant une couleur ou une partie de la partition. Donc, même si vous regardez quelque chose se déplacer et se plier émotionnellement, ou que vous regardez le décalage et le pli d'un arc d'un personnage, la palette ou la partition reste cohérente sur trois ou quatre scènes. Vous êtes amené à imaginer qu’ils font tous partie du même processus.

La communication, que ce soit quelque chose que les personnages se disent ou que vous divulguez au public, constitue une partie si intéressante du film. Comment avez-vous déterminé la manière dont une idée est véhiculée, que ce soit les chuchotements sous-titrés ou Magnolia-groupe esque singalong?

Cela faisait également partie du processus d'écriture. Il y avait d'innombrables ébauches. Mais tant de scènes qui, au final, se sentent parfaitement dans l'histoire ont traversé plusieurs itérations. La chemise du tigre qui parlait était là depuis le début parce que c'était quelque chose que j'ai essayé dans un court métrage qui n'a pas fonctionné. À ce moment-là, c'était un perroquet parlant, mais cela n'a pas fonctionné parce que nous ne pouvions pas faire fonctionner l'effet visuel. Je me disais: "nous allons le larguer de ce court métrage, mais je vais le réutiliser!" C'était toujours dans le script.

Mais une version antérieure du script avait Magnolia moment, mais c'était juste un groupe de personnes qui pleuraient dans les voitures. Ils ne chantaient pas. Mais c'était la chose la plus évidente au monde de les faire chanter à un moment donné. Une fois que j'ai compris cela, je me suis dit: «Oh, c'est quelque chose.» Et à la minute où j'ai compris qu'ils devraient tous être ancrés dans le chant de Carolyn (corps), je me suis dit: «C'est si évident, pourquoi n'ai-je pas comprendre cela dans le projet 12? "

J'aime renverser les attentes de quelqu'un sur la façon dont les informations seront fournies, que ce soit des informations factuelles sur un personnage ou un changement émotionnel. Les révélations de ce film, certaines qui sont assez grandes et d'autres qui ne le sont pas du tout, je m'arrêtais dans le processus d'écriture et je me disais: "est-ce assez inattendu?" bizarre assez? (Je) n'essaie pas de faire quelque chose de bizarre pour le bien de bizarre mais quelque chose qui se sentait toujours crédible pour l'histoire, ce personnage, ce monde. Mais ils avaient toujours ce sentiment pour un public qu'ils ne voyaient pas ce moment arriver. Ou ils l'ont vu venir, mais pas exactement comme cela s'est finalement passé à l'écran.

Le film parvient en quelque sorte à se sentir à la fois profondément investi émotionnellement dans ces personnages, mais aussi à un léger retrait d'eux en même temps. Comment négociez-vous cette distance?

Beaucoup de cela a été écrit dans le script. Je voulais que beaucoup de personnages se sentent assez opaques pendant longtemps. On nous les présente assez fermés, et (ils restent comme ça) pendant un bon moment. La maman avec la chemise de tigre qui parle, elle ne s’ouvre que dans les trois dernières minutes du film. Et elle ouvre un tout petit minuscule. Je voulais que cela soit vraiment satisfaisant, ce petit morceau qu'elle nous donne. Il était intentionnel que beaucoup de personnages, principalement les mamans, tiennent vraiment tout le monde à distance pendant un bon moment … jusqu'à ce qu'ils ne le fassent pas. Une partie de cela était de savoir qu'il y a tant d'autres mères dans des films qui n'ont aucune dimension, ou nous commençons par être complètement ouvertes et encore avec une dimension nulle. Nous n'avons pas l'habitude de voir des mamans inconnaissables et dimensionnelles, peut-être même peu sympathiques jusqu'à un certain point.

Je savais que dans chaque scène, au moment où je l'écrivais, il y aurait un moment où la scène se tournerait – pour l'appeler, une punchline n'est pas tout à fait juste. Le crochet de la scène est parfois un moment où la scène change de façon assez spectaculaire en température, peut-être quelque chose que vous n'avez pas vu venir. Même si cela signifiait qu'une scène très sérieuse finissait par avoir un moment très drôle à la fin qui la ponctue. Ce genre de rapprochement, pas trop proche, était un vrai rythme intentionnel que j'ai mis en place dans l'écriture.

Dans l'écriture, oui, mais aussi dans l'esthétique. Nous nous soucions de ces personnages, mais tous vos longs plans semblent un peu comme si nous les regardions au microscope.

Nous avons tourné avec ces magnifiques lentilles anamorphiques vintage Todd AO. Au début, je pensais: «J'adore les gros plans, est-ce que ça va les détruire?» Et mon DP (Christopher Rejano) était comme: «Non, nous pouvons traiter les gros plans d'une manière que nous n'avons pas avec lentilles non anamorphiques. »Nous savions que nous pouvions faire face aux paysages, que ce soit littéralement un extérieur ou le paysage de la chambre de Carolyn, en prenant tout cela comme une vue.

Je sais que tu dis Couteaux et peau est simplement "adjacent au genre", mais votre utilisation des fondus n'est pas si courante parce qu'ils sont si subtils. Comment avez-vous fini par les utiliser si fortement dans le film?

J'aime vraiment une croix se dissolvent. Je ne pense pas qu'ils soient super populaires, je ne sais pas pourquoi. Dieu merci, mon éditeur n'a pas d'allergie à une longue croix dissoute. Je viens d'un milieu des beaux-arts – je n'ai pas de fond en art; Je faisais toujours des films, mais dans le contexte d'une école d'art. Pour moi, ces fondus sortent tout droit d'une tradition d'art visuel comme le collage ou la photographie ou une double exposition. Ou dans les peintures, mettant deux choses dans un même cadre. Je ne sais pas si cela fonctionnerait dans un autre film, mais avec celui-ci, parce qu'il y a tellement de gens à suivre et que les choses se passent simultanément, les longues dissolutions croisées ont à voir avec le fait de mettre littéralement les gens dans le même temps et dans le même espace. . Ensuite, mon éditeur, Mike Olenick, a eu cette très bonne méthode pour, une fois que nous avons déterminé le timing, revenir en arrière et reconstruire ces images dissoutes image par image. Même en tapant des visages pour que le visage de quelqu'un reste plus longtemps. Il ne s'agit pas simplement de mettre un filtre en place. Ces croix se dissolvent, car lui et moi sommes devenus un processus minutieux.

En préparant cette interview, je vous ai vu citer des influences comme celle de Lynne Ramsay Morvern Callar, Kelly Reichardt Certaines femmes et que votre prochain film fait partie d'Andrea Arnold Aquarium. Vous ne voyez pas souvent des films comme ces films de genre inspirants. Comment intégrez-vous ces sources d'inspiration plus éclectiques?

Le personnage Morvern Callar est un personnage vraiment inconnaissable, opaque et impénétrable à la frontière de ce qui n'est pas aimable. Je considérerais Morvern Callar, en quelque sorte, une histoire d'horreur. Elle découpe un cadavre et l'enterre dans les bois! Mais vous êtes toujours enraciné pour elle à la fin du film.

Je citerais aussi quelque chose comme Lynne Ramsay Tu n'étais jamais vraiment là. Je pense que ce film est tout simplement brillant dans la façon dont le sujet principal est joué par Joaquin Phoenix, qui est un personnage super masculin et a vécu une vie brutale. Il a toujours une touche sensible et féminine… un réalisateur masculin aurait fait quelque chose de très différent. Aquarium est une si belle représentation d'une fille en transition qui essaie juste de survivre à sa vie quotidienne avec sa maman et son petit ami. Certaines femmes, en particulier parmi tout le catalogue de Kelly Reichardt, elle raconte beaucoup d'histoires sur des femmes seules et inadaptées qui n'apparaissent pas comme des inadaptées. Dans Certaines femmes, Je dirais que toutes ces femmes sont inadaptées, mais elles ne regardent pas la partie. Ils n'ont pas été rejetés de la société. Ils choisissent de se mettre à l’extérieur. Wendy et Lucy (Film de Reichardt de 2008 avec Michelle Williams), elle se met à l’extérieur, les femmes de Coupure de Meek (un film de Reichardt de 2011), la liste s'allonge encore et encore.

Mais peut-être d'une manière plus genre, Une fille rentre seule la nuit était un gamechanger total. Même Le corps de Jenniferet avance rapide vers le prochain film de Karyn (Kusama, le réalisateur) Destructeur. Le Babadook, Le rossignol … Ce sont des films basés sur le genre, mais les premiers créateurs que vous avez cités ont beaucoup à voir avec les personnages. Les traits que je viens de mentionner sont en caractères Couteaux et peau pour sûr.

Est-ce finalement une histoire pleine d'espoir? Une fois que les gens peuvent accepter le chagrin et le traumatisme, il semble qu'ils peuvent recommencer à se connecter de manière plus authentique.

Absolument, c'est 100% une fin pleine d'espoir! C'est une histoire sur la possibilité de rachat et d'apprendre de vos erreurs. Être soit un jeune qui n'a pas à vivre avec les erreurs des adultes qui vous entourent… soit être un adulte et pouvoir changer le cours de sa vie sans ruiner sa vie. Et il s'agit de survivre à une tragédie et de survivre à un traumatisme.

Survivre au patriarcat!

Absolument, et cela vaut aussi pour les hommes du film! Ty, le jeune footballeur que vous voyez au tout début du film qui est le dernier à voir Carolyn Harper en vie, il est tout autant une proie du patriarcat que les filles. Il met en scène ce genre de masculinité qui est aussi son fardeau et son piège. Mais j'espère qu'il finira par lire le dos de sa veste (un personnage enregistre un message se moquant de son traitement des femmes) et fera le point, changer de direction. J'ai de l'espoir pour lui!

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Couteaux et peau est désormais disponible dans certains cinémas et disponible en VOD.

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