À la découverte du moi à travers le chant dans «Hedwige et le pouce en colère»

Hedwig

Dans John Cameron MitchellLa comédie musicale historique Hedwige et le pouce en colère, la chanson est la fenêtre de son personnage central sur elle-même. Avec des rythmes puissants de binaires déconstruisant, de compréhension de soi et de recherche de l'amour qui nous rassure, l'histoire de Mitchell sur la diva punk «internationalement ignorée» – un personnage qu'il a créé et interprété à partir des années 1990 – résonne encore après presque 20 ans; depuis lors, l'adaptation cinématographique a conservé son statut de secte et continue à vivre dans une version restaurée de Criterion.

Vraiment, pour discuter Hedwig est de discuter de ce qui fait un bon film musical, considérant que c’est le cas. Avec son éventail de nombres musicaux pop-punk surréalistes, co-écrit par Stephen Trask, les chansons et les images du film se combinent pour créer quelque chose de tout à fait unique et excitant: une expression de la vision artistique particulière de Mitchell qui transcende le langage lui-même.

Capture d'écran à Am

Les comédies musicales de films sont fondées sur l'idée de mettre en lumière des personnages qui ont quelque chose d'aussi puissant à dire que, que ce soit dans l'enfer ou dans les hautes eaux, il leur suffit de chanter à ce sujet. Dans ces situations, la musique est la seule chose qui puisse presque exprimer ce qui est par ailleurs inexprimable; Comme l’écrit notre propre Matthew Monagle, le chant est une «expression non filtrée du monologue intérieur (d’un personnage)», cédant la place à certains de leurs moments les plus authentiques à l’écran.

HedwigLes numéros musicaux répondent certainement à ce niveau, étant donné qu’ils donnent la parole à un personnage aussi singulier qui a tant à dire à travers sa musique. Née de la pensée de Mitchell sur la sexualité et l’amour avant que les mots pour exprimer ces idées ne se banalisent, Hedwig parvient à comprendre sa propre identité superposée à travers une série de ballades originales et de headbangers; De «Wig in a Box» à «Midnight Radio», ces séquences marquent sa quête de l'épanouissement en tant qu'artiste de genre et en tant que personne vivant dans un monde divisé.

Ces sentiments sont particulièrement présents dans «Origin of Love», la ballade du film. Basé sur un mythe de Platon Symposium, la chanson raconte sa propre histoire d’origine de l’humanité, affirmant nos débuts en tant que créatures à quatre pattes et à deux visages jusqu’à ce que nous soyons divisés en plein milieu par une puissance supérieure. Pour Mitchell, l'amour est une chose que les gens désirent par nature de se sentir complète. Nous passons donc le reste de notre vie à essayer de trouver notre moitié manquante. la chanson qui exprime ces idées en est une qui dit-il, il continuera à chanter jusqu’à ce que je croasse.

"Origin of Love" est donc la chanson la plus personnelle du film et est également inspirée par la propre histoire et les désirs de Hedwig. Ayant grandi comme un «bout de fille» à Berlin-Est, une opération de changement de sexe bâclée la laissa également prise entre des poteaux, perdue entre l’idée de célibataire et d’amante, homme et femme, entre est et ouest, pont et mur cette idée comme "la binarchie"). En effet, il est vulnérable qu'elle chante ces dualités directement au spectateur, regardant directement dans la caméra et nous expliquant comment elle comprend sa douleur à travers son idée de la création. Comment pouvez-vous rechercher votre moitié manquante si vous existez en dehors du binaire?

La douleur dans ton âme était la même
comme celui dans la mienne.
C’est la douleur
qui coupe une ligne droite à travers le coeur.
Nous l'appelons l'amour.

En surface, il est facile de voir ce film comme une adaptation extraite de la scène. Hedwig et son groupe sont nombreux à voir des groupes improvisés dans les restaurants de la chaîne Backwater Inn, à la suite de son ex-amoureux Tommy Gnosis (Michael Pitt) alors qu’il se rend aux États-Unis avec ses chansons volées. Mais Hedwig‘S Les séquences musicales ne tombent jamais non plus dans le piège du tarif standard des films de concert. Ici, Mitchell crée encore des moments cinématographiques, utilisant des écrans divisés, des rotations de caméra à 360 degrés, des animations, et même un singalong à la suite d'un ballon rebondissant pour que les chansons de son personnage se sentent plus vivantes.

Un ensemble de séquences d'animation récurrentes de Emily Hubley Ajoutez en particulier cette pure puissance cinématographique aux expressions personnelles de Hedwig. Plus important encore, ils viennent visualiser les idées évoquées par Hedwig dans «Origin of Love». Tandis qu'une série de créatures en évolution se faufilent autour de l'écran, se transformant en formes et combinaisons abstraites, elles insufflent vie aux paroles de Hedwig. que seul le film peut nous montrer. En réalité, même si la scène porte son propre type de pouvoir, il s’agit de l’image en mouvement qui fait que ces «créatures solitaires à deux jambes» se manifestent sous nos yeux.

Capture d'écran à Am

Le reflet de la musique de Hedwig et de l’animation autour d’elle nous amène à son tour à une compréhension émotionnelle de son parcours. En fait, nous voyons ce voyage se dérouler directement sur le corps de Hedwig. Un tatouage sur sa hanche correspond aux dessins de Hubley, montrant deux moitiés déchiquetées d’un visage séparé. C’est un lien visuel qui souligne «l’origine de l’amour» en tant que cœur de la bande originale et du personnage lui-même.

Ce visuel est ensuite retourné dans la finale éthérée du film. Après avoir affronté Tommy dans une salle de concert ressemblant à un vide, Hedwig livre une dernière ballade, dépouillée de son personnage de drag habituel. Une fois que sa chanson se termine, une autre animatique apparaît à l'écran et nous voyons le tatouage sur sa hanche se transformer en un visage complet, les deux moitiés enfin égalisées. "Origin of Love" se répète une dernière fois alors qu'elle titube, nue, à travers une ruelle sombre, dans la lueur vacillante d'un réverbère.

Les détails de ce moment peuvent être interprétés de différentes façons, mais tout indique une acceptation de soi, qui devient un «beau genre, comme le dit souvent Mitchell. La scène embrasse l'ambiguïté tout en offrant une vérité émotionnelle, en fusionnant le visuel et le musical pour communiquer quelque chose sans avoir besoin de paroles. d’une manière ou d’une autre, nous savons que Hedwige a triomphé dans sa quête et que même quand elle a quitté la lueur de cette lumière, elle a retrouvé l’amour qu’elle cherchait en elle-même.

En fin de compte, cette combinaison de conventions musicales de films est ce qui fait de l’histoire de Hedwige un événement aussi émotionnel et durable. Depuis le pouvoir personnel de ses chansons jusqu'aux séquences distinctives qui les visualisent, le parcours de Hedwig vers l’acceptation de soi-même est un pur cinéma et une magie de perruque à botte.

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